• (044) 229-94-94
  • - многоканальный,
  • (067) 448-32-61
25 июля 2017

Воссоздание винтажного звучания барабанов: в «пурпурном тумане» 60-х.

Надоело большое, широкое (и скучное) звучание? Предлагаем вам увлекательное путешествие во времени — чтобы научиться воссоздавать барабанный саунд 60-х!


Поразительно, как устроено наше восприятие музыки! Порой мы хотим слышать лишь самые высококачественные из всех записанных звуков, отполированные, чистые, достоверные – я бы даже сказал «идеальные» с точки зрения современных звукозаписывающих технологий. Звук, соответствующий разнообразным стандартам записи и воспроизведения, рафинированный звук.
А для кого-то – это все просто безжизненная попса, утерявшая всю сочность, эффектность и сыроватость музыки, которая была когда-то, потерянный рай, полный вайба, тепла, «аналоговости» – и в тоже время небрежности и свободы.


Когда мы слушаем старые винилы, на которых записана старая музыка, мы моментально схватываем нутром некий ретро-вайб. В основном это возможно благодаря тому, что звуки имеют отчетливый «окрас», который они получили (намеренно или в качестве побочного эффекта) в процессе записи и сведения.

7537.jpg

Что такое винтажный звук?


Мы уже настолько успели привыкнуть к большим глянцевым последствиям современного продакшена, что «ретро» мы подсознательно определяем, как полное противопоставление достижениям современного саунда: ретро — значит сырой и неотшлифованный звук. Ведь в сравнении с ультрамодными техниками контроля, наслоения и выравнивания барабанов в миксе, это отчасти правда. Но когда человек хочет получить винтажный звук на записи, на самом деле ему нужен не просто сделанный на скорую руку лоу-фай; ему нужен характер. Точно так же дело обстоит и с фотографией. Стоит нам сделать удачный снимок на телефон, мы тут же применяем к нему фильтры. Учитывая стремительное развитие технологий и гаджетов, качество исходника как правило достаточно неплохое само по себе – но фильтр словно «окрашивает» запечатленный момент. Будь то осветление изображения, уменьшение и увеличение насыщенности, эффект «затухания» или усиление контрастности – с их помощью мы придаем фотографии собственную индивидуальность.


Точно так же и в мире музыки, музыкант или звукорежиссер «заявляет» о собственной эксклюзивности, ведь подобная проекция личности на звук говорит о творении более конкретно, чем просто стандартная (пусть и качественная) запись.


Если для ваших проектов уместен такой подход, если вы хотите добиться именно такого ретро-звучания – в этой статье вы найдете много полезной информации, которая несомненно приблизит вас к этой цели.


***


1960-е были золотой эпохой для музыки. Поп, соул, рок – записи продавались небывалыми тиражами. Роль барабанщиков в этот период была менее очевидной, чем под конец десятилетия, когда агрессивный пульс 70-х уже витал в воздухе, когда достигли своего пика жанры, которые полагались на прочную основу заводных ритмов. В отличие от создателей грувов диско, фанка и, конечно же, хард рока, барабанщики начала 60-х зачастую довольствовались скромной ролью фонового сопровождения, галёрки популярной музыки того времени.


Вот как красочно сам Ринго Старр описывал особенности своей карьеры барабанщика в составе Битлз:


«Что такое жизнь барабанщика? Круговорот задниц. Я сидел на последнем рубеже обороны и пытался задать ритм святым задницам. Вот вы вспоминаете The Beatles как милых и симпатичных людей, а мои воспоминания совсем другие. Для меня The Beatles — это три попы. Потолще — Пола, ой, простите, сэра Пола. Тощая — Джорджа, вертлявая — Джона. Правда, эхо из зала доносило их музыку и до меня, и, должен сказать, эти задницы писали отличную музыку!»

7536.jpg

«Святые задницы», Милан, лето 1965.


Технологии эпохи


В начале 60-х царем горы был моно-звук, а первые попытки внедрения стерео незаметно подкрались несколько позже. Большинство студийных записей происходили либо полностью вживую, либо с минимальным количеством наложений. Современные цифровые аудиоредакторы дают звукорежиссерам возможность работать с огромным количеством дорожек, в то время как впервые возможность записи мультитрека появилась только в 1955 году. В начале 60-х такие многодорожечные магнитофоны были очень дорогостоящими, и их возможности ограничивались всего лишь четырьмя дорожками. Техники до-записывания вроде punch-in-записи были сложными, малоэффективными и грозили навсегда потерять важную часть записи в случае минимальной неточности расположения записывающей головки. Как следствие, самым реалистичным вариантом была полноценная запись песни вживую, от начала и до конца.

7521.jpg

Многие студии сами занимались созданием аппаратуры, что добавляло индивидуальности в их фирменный звук, повышая также и их репутацию как звукозаписывающего предприятия. Микшерные пульты находились на ранних стадиях развития; многие из них были модифицированными офисными рабочими столами, напичканными электроникой. Консольные каналы были недоразвитыми по современным стандартам. Стандартный набор регулировок состоял из: уровня громкости, панорамы (как правило, трехпозиционной), двухполосного эквалайзера с регулировкой баса и верха. Группа записывалась «вживую», а звук, который поступал в контрольную комнату, фактически был окончательным вариантом песни.

7522.jpg

Основатель Universal Audio Билл Патнэм начинал с ручного производства консолей для студийных и концертных записей. На фото — A 610 Console.


В начале 60-х в звукозаписи царили ленточные микрофоны. Диаграмма направленности в виде «восьмерки», а также всенаправленные микрофоны стали визитной карточкой звучания Beatles, ведь вокальные микрофоны Джона и Пола одновременно записывали еще и эмбиенс для ударных Ринго. Учитывая, что бесспорного лидера того времени уже трудно достать (речь идет о «любимом микрофоне Джорджа Мартина» Neumann U 47), ему на замену успешно придет Telefunken U47!


Динамические микрофоны в то время еще не успели завоевать ту популярность, которой они пользуются сегодня. А вот для бас-барабана AKG D 12 был идеальным микрофоном на все случаи жизни. Ему не только удавалось отлично себя проявлять при высоком уровне звукового давления, но еще и конструктивно подходить для задачи подзвучивания «бочки»: внутри у AKG D 12 есть специальная «басовая камера», которая физически усиливала низ в пределах 60 – 120 Гц. На самом деле, в те времена на студии использовались те динамические микрофоны, к которым был доступ и которые были под рукой у звукорежиссеров. Например, AKG D19c был часто используемой альтернативой.

7523.jpg

Ринго, AKG D12 (бочка) и AKG D19 (оверхэд)


Обсуждая аппаратную сторону звучания или приемы звукорежиссеров той или иной эпохи, легко забыть о важной составляющей барабанного звучания 60-х — барабанщиках. Нередко можно услышать, что в былые времена звукозапись была намного более сложным, трудоемким и дорогим процессом, и требовала от всех участников процесса максимальной отдачи и знания своего дела. Музыканты, которые не рассчитывали на коррекцию тона или на выравнивание ударных, были вынуждены идеально знать материал, а также обладать умением быстро схватывать на лету.

7524.jpg

«Оркестр Стены Звука» Фила Спектора – The Wrecking Crew


С точки зрения барабанного оборудования, 60-е были относительно неинтересным десятилетием. По современным меркам, барабанщики того времени были очень сдержанными, когда речь шла о силе удара. А значит и непоколебимая стабильность стоек не требовалась. Самыми распространенными были стойки с тремя плоскими ножками.


Барабанщики использовали палочки с деревянным наконечником, хотя нейлоновый был представлен на рынке еще с 1958 года. Изобретатели неоднократно экспериментировали с разнообразными наконечниками, но поначалу они либо разламывались, либо отваливались!


Выбор тарелок в 60-х был не так велик, как сейчас. Zildjian распространили свое влияние по обе стороны океана, в первую очередь благодаря невероятному успеху Beatles в США – а именно после их выступления на «Шоу Эда Салливана» в 1964 году. Ринго играл не только на Zildjian, используя разнообразные кастомные тарелки, однако выступление «битлов» настолько потрясло музыкальную сцену Америки, что крупнейший производитель тарелок в стране к концу 1964 года получил заказов на 90 тысяч тарелок! Кстати, специальные тарелки вроде сплэшек и сиззл-райдов с заклепками также уже были доступны в это время.

7525.jpg

Beatles на «Шоу Эда Салливана», 1964. Обратите внимание на плоские ножки стоек под тарелки, а также на заклепки на тарелке слева.


Если у Вас нет доступа к винтажным тарелкам прямиком из 60-х – а его скорее всего у вас нет – Zildjian и сегодня предоставляет уйму вариантов, которые будут звучать настолько аутентично, насколько это в принципе возможно. Пожалуй, самым очевидным и подходящим кандидатом будет относительно недавнее воссоздание винтажных тарелок, с которых началась поп-музыка – серия Zildjian A Avedis с патиной. Многие барабанщики того времени (как и всегда, собственно) отказывались чистить свои тарелки, будучи уверенными в том, что грязь или патина, собираясь на поверхности тарелки, специфически изменяет первоначальный резонанс. Также тарелки серии «K» отлично справятся с передачей мрачного, темного и грязного звучания. Да, кстати, не забывайте про заклепки! Ринго просто обожал заклепки!

7526.jpg

Большинство барабанщиков 60-х использовали однослойные пластики с напылением. Удивительно, но в то время даже мембраны из козьей кожи были довольно распространены. Как и многодорожечные магнитофоны, синтетические пластики стали доступными еще в середине 50-х. В это время Remo экспериментировали с майларом – синтетическим материалом от компании DuPont. Майлар – самая настоящая военная технология, которая использовалась для маскировки во время разведывательных вылетов. Основатель компании Ремо Белли экспериментировал с этим материалом, создав первые пластики «Weatherking». Так что если хотите звучание 60-х, то не прогадаете, используя серию Remo Ambassador Coated или Remo Vintage Ambassador. «Винтажные» серии, помимо всего прочего, отличаются еще и невероятной живучестью, что тоже немаловажно, не так ли?


Проблема подбора нужных барабанов, как нетрудно догадаться, является центральной проблемой этой статьи. Однако, на самом деле все проще, чем кажется. В то время знаменитыми были Ludwig, Gretsch и Slingerland. Ludwig, конечно же, был самым знаменитым брендом – в первую очередь благодаря усилиям одного молодого барабанщика из Ливерпуля. Судьбоносное выступление на «Шоу Эда Салливана» прорекламировало абсолютно все, что было связано с музыкой – и барабаны в том числе. Как и Zildjian, Ludwig с трудом управлялись с неожиданным наплывом заказов: шутка ли, 2 500 установок в месяц! Как правило, установка состояла из 3-х или 4-х барабанов: бас-барабан, рэковый том, флор-том, малый зачастую также был в комплекте.


Помимо малого барабана, который традиционно был металлический, барабаны изготавливались из дерева. И да, я специально не уточняю, какого именно дерева. Это было время, когда барабанщики не были настолько зациклены на материале своего инструмента. Более того, внутренняя часть корпусов, изготовленных в 60-х зачастую полностью покрыта белой краской, так что идентифицировать древесину визуально очень трудно…


Уточню лишь, что популярные установки того времени были изготовлены из махагона, тополя и клена в самых разных конфигурациях последовательности слоев. Если вы хотите получить звучание барабанов 60-х, любые дешевые барабаны подойдут, при чём, чем дешевле, тем лучше. Просто убедитесь, что кадло круглое и край достаточно ровный. Настройте его максимально хорошо – и вуаля, Вы звучите как 90% барабанных записей того времени! В то время людям было по большому счету плевать на материал: если им нравилось звучание, этого было вполне достаточно.


Запись


«Британское вторжение» — термин, который придумали музыкальные обозреватели для обозначения множества рок- и поп-исполнителей из Объединенного Королевства, получивших популярность в США в 60-х. Никакая статья, рассматривающая «британское вторжение», не будет полной без упоминания Ринго Старра. Весьма удачно, что работа великолепной четверки на студии Abbey Road отлично задокументирована. Информации в интернете предостаточно, а мемуары Джефа Эмерика под названием «Here, There and Everywhere» — это замечательный экскурс в студийную жизнь «жуков». Что же касается звучания Ринго, то тут логичнее всего говорить о «раннем» и «позднем» периодах.


Один из самых важных ранних хитов Beatles – I Want to Hold Your Hand – записывался при помощи минималистичной конфигурации микрофонов: оверхэд и микрофон бас-барабана. Овер «прицелен» примерно между малым и бочкой. Бочку же снимали ленточным микрофоном вроде STC 4033, но его хрупкая конструкция не подходила к такому позиционированию: как бы аккуратно не играл барабанщик, долго такой микрофон не жил. Потом ему на смену пришел AKG D12/D20. Их и сегодня можно обнаружить на вторичном рынке, но его проще заменить современным AKG D112 MKII.

7527.jpg

AKG необходимо расположить близко к переднему пластику, на расстоянии в примерно в 5-8 см. Кроме того, есть еще третий, «секретный микрофон» — румовый микрофон, установленный на расстоянии. Для следующих манипуляций лучше всего воспользоваться рулеткой. Для начала, определите расстояние между овером и малым барабаном/бочкой. Умножьте эту цифру на три и именно на таком расстоянии от оверхэда установите румовый микрофон. Сохраняя соотношение расстояний «румовый-овер» и «овер-источник сигнала» как 3:1, можно значительно уменьшить фазовые искажения. В качестве румового микрофона можно использовать любой конденсаторный всенаправленный микрофон с качественной большой диафрагмой.


Сведение «битлов»


Сведение – самая простая часть, учитывая, что вы использовали всего лишь два микрофона. Достигнув нужного баланса между ними, начинайте подмешивать румовый микрофон (сдерживая себя в порывах сделать его громче всех, ведь его цель – звуковая поддержка и обеспечение объема, а не создание основы микса).


Далее, необходимо использовать эмуляцию ленты катушечного магнитофона. Плагины вроде Universal Audio Studer A800 Multichannel Tape Recorder отлично справляются с поставленной задачей, хотя Beatles и использовали другую модель. Весь микс нужно свести в одну дорожку и применить плагин со скоростью пленки 7,5”, тип пленки «250». После чего дорожку нужно обработать плагином с теми же настройками – еще раз. Таким образом вы получаете практически готовый звук, который получался в ходе записи. Если все получилось, вы заметите, что малый «теряется» в миксе. Ринго часто записывал малый еще раз наложением. Так что барабанщику придется сыграть партию малого еще раз, а потом аккуратно добавить ее в микс, но примерно на 12 дБ ниже основного уровня микса. Все это делается лишь для того, чтобы добавить совсем немножко «малого», который потерялся во время процесса сбрасывания всех барабанных треков на одну общую дорожку.

7528.jpg
7529.jpg


Еще одна очень важная песня Beatles, которую нельзя оставить без внимания (на этот раз, это песня «позднего периода») – Come Together. Используя указанный выше набор микрофонов, попробуйте «укутать» малый барабан и томы в простыни или полотенца. С бочки нужно снять фронтальный пластик и положить вовнутрь одеяло или подушку. Можно также добавить еще один отдельный микрофон для малого. После таких манипуляций с укрытием барабанов звук получается приглушенный. Теперь используйте доступные эмуляции винтажного компрессора; Кен Скотт — звукоинженер, работавший с Beatles — рекомендует использовать Fairchild, который будет усиливать любые обертоны, которые остались после демпфирования. Имеется в виду ламповый компрессор-лимитер Fairchild 660 или 670. Оригинальные винтажные модели изредка проскакивают на eBay за внушительные 50 000$. Более реалистичный для вашего кошелька вариант – качественная эмуляция этого прибора на платформе UAD. Не забудьте добавить плагин-эмуляцию магнитофона Studer два раза и потом «повесьте» на миксдаун Fairchild. Для референса используйте шикарные проходы по томам после припева в Come Together.

7530.jpg

Золотой стандарт винтажных ламповых лимитеров/компрессоров


«Город моторов»


«Мотаун» — детройтский звукозаписывающий лейбл, основанный Берри Горди-младшим 14 апреля 1960 года. Имя лейбла – смесь слов «motor» и «town» — прямая отсылка к славе Детройта как родины «Большой тройки» крупнейших американских автомобилестроительных компаний (Chrysler Group LLC, General Motors и Ford Motor Company).


В те времена расовая сегрегация была сильно ощутимой и в мире музыки. Блюз, джаз и разнообразные поджанры считались музыкой «цветных людей». Мотаун был в авангарде процесса расовой интеграции в контексте поп-музыки. Смешивая звучание соула и поп-элементов, Мотаун успешно продавал записи, был хорошо представлен на радио (во много благодаря смелым диджеям вроде Порки Чедвика, который «ставил» композиции Бо Диддли, Смоки Робинсона и Литтл Энтони).


Звук барабанов Мотауна можно описать как «сфокусированный» и в целом более низкий, чем принято в современной поп-музыке. Бас-барабан часто забивали газетами, а на малый клали кошелек дабы избавиться от симпатического резонанса. Даже пружины в лагах демпфировались – при помощи, например, мягких спичечных коробков! Отдельные микрофоны для малых барабанов появились не раньше середины 60-х. До этого приходилось обходиться только оверхэдом и микрофоном бочки. Консоли были ограничены количеством входов – от 4 до 12. Все члены группы находились в одной комнате и играли одновременно, вокал также записывался вживую. Так что просто постарайтесь получить качественный моно-звук с сетапом а-ля Ринго. Дальше дело за сведением.

7531.jpg

Само собой, вам обязательно пригодятся эмуляции катушечных магнитофонов (или настоящий магнитофон, если таковой доступен). Что касается барабанов, то тут есть интересные особенности. Довольно часто в записях мотауна можно услышать тамбурин, который дополняет малый. Для максимально аутентичного воссоздания этого звучания направьте сигнал с малого барабана в небольшой гитарный комбо. Установите его спикером кверху, а на решетку положите тамбурин и снимите результат микрофоном. Каждый удар по малому будет «сотрясать» и тамбурин, а задержка аналогово-цифровой конвертации добавит небольшую задержку – ровно настолько заметную, чтоб все звучало естественно, а не механично и запрограммированно.


Другой важный элемент – это использование реверберации и слэп-бэк задержки. Установку нужно «пропустить» через небольшую комнату с малым количеством отражений. Следите за количеством верха, с ним очень важно не переборщить. Для этого можно добавить к реверу эквалайзер и аккуратно подрезать лишнее. Если у песни есть стабильный тактовый размер, то очень кстати придется слэп-бэк, особенно для малого, которому короткая задержка придаст уверенности и присутствия. Ну и конечно же, не стоит пренебрегать трюком с кошельком на малом.


***


К концу десятилетия передовые студии заимели консоли, позволявшие использовать минимум 12 входов. Не смотря на то, что микрофонов становилось все больше, культура моно продолжала доминировать.


Итак, у нас есть демпфирование, есть AKG D112 напротив бочки. Верхний микрофон на малом вполне может быть динамическим. Снизу тоже. Конденсаторный микрофон с небольшой мембраной для оверхэдов. Rode M3 отлично подойдет для этого дела. Вся сложность в том, чтобы установить микрофон достаточно высоко, чтобы он захватывал сигнал со всей установки, не перекрывая все звуком тарелок. Многие звукоинженеры рассматривают оверхэды в пространстве слева направо – от хай-хета к райду. В нашем случае оверы необходимо видеть во всех мыслимых направлениях. Можно даже попробовать направить микрофон прямо в голову барабанщика, например. Потом продвигайтесь вперед, пока звук не начнет вам нравиться. Да, чуть не забыл напомнить о микрофонных преампах. Если под рукой есть AMS Neve, Rupert Neve Designs или что-то похожее, ваши записи будут окрашены как надо. И не перебарщивайте с компрессией: сейчас ее используют намного более агрессивно, чем в былые времена.

7532.jpg

Эмуляция Neve 1073 немного выбивается из нашей концепции десятилетия: оригинальный предусилитель был представлен только в 1970 году. Но его звук позволяет закрыть на это глаза.


Имитируя записи конца десятилетия, можете использовать эмуляцию ленты только один раз, а не два (скорее всего, запись производилась на один трек вживую, но без дополнительного сбрасывания на отдельную дорожку). В дополнение к эмуляции магнитофона постарайтесь использовать плагины, имитирующие соответствующие «железные» приборы, характерные для этого времени: например, в качестве эквалайзера стоит выбрать плагин типа Pultec EQ. Верха можно немного откатить, подбавив середины дабы сделать малый выразительнее.

7533.jpg
7534.jpg

Прославленный оригинал и не менее прославленная эмуляция.


В зависимости от записываемого материала, немного ревера будет в тему. Начинать стоит с симуляции комнаты и обязательно малыми дозами. Качественная барабанная комната станет отличной стартовой точкой. Если комната, в которой происходила запись, была слишком «сухой», отправьте на ревер только оверхэды. Если треки с малым и бочкой слишком выбиваются, тогда отправьте на реверберацию все микрофоны. Чтобы сгладить резкость звучания, после ревера поставьте эквалайзер. Если эффект комнаты не очень подходит к песне, попробуйте использовать пластинчатый ревербератор только на малом. С этой задачей хорошо справится UAD EMT 140 Classic Plate Reverberator. Для компрессии общей шины с барабанами используйте любой ненавязчивый оптический компрессор, который будет только захватывать пики с минимальным уровнем компрессии. Вайб тут не менее важен, чем контроль динамики.

7535.jpg

Плагин моделирует винтажные экземпляры, обнаруженные на студии The Plant Studios в городе Саусалито, Калифорния.


Заключительные рекомендации


Ни у кого не вызывает сомнений, что студийные музыканты 60-х были настоящими профессионалами. Многие носили строгие костюмы на работу, особенно в начале десятилетия. Так почему бы не попросить своего барабанщика прийти на сессию в костюме и галстуке? Зачем, спросите вы? Как минимум, лупить по барабанами изо всей силы в «тройке» будет ой как непросто! Ну и, конечно, для пущей аутентичности не помешает… Другой вариант – захватить более легкие палочки, чтобы изменить силу удара на более аккуратную. Не получилось заставить барабанщика играть нежнее? Избавьтесь от наушников. Пусть группа играет вживую. Или просто уменьшите уровень плейбека.


На трюки с записью тамбурина нет времени? Используйте современные технологии вроде триггеров.


Большинство хитов 60-х сводились в моно. Сейчас все заполонило стерео. Попробуйте сводить барабаны в моно или только с одним спикером.


При расположении треков по панораме, ограничьте себя тремя возможными опциями: «лево», «центр» и «право». «Жесткое» панорамирование было характерно для множества записей того времени. Песня «California Dreaming» — хороший пример такой техники.


Можно достать лоу-файный спикер, вроде телевизорного, для проверки микса. Бас-барабан, скорее всего слышно не будет, но вокал, малый/тамбурин и тарелки должны быть выразительны.


Стиль работы звукорежиссеров был совсем иным. Песни сводились не отходя от кассы. Оборудование было ограничено, дорожек было мало – но меньше всего было времени! Нужно было более аккуратно относиться к ресурсам, которые имелись в наличии и постоянно принимать важные решения, что оставить, а от чего избавиться. В современных условиях бесконечности дорожек, возможностей исправлений, откатов и огромного запаса времени (если речь идет о домашней студии), очень важно научиться работать так же методично, ответственно и уверенно – это, пожалуй, самый важный элемент звучания 60-х.


Иконы барабанов 60-х также могут предоставить достаточно ответов на ваши вопросы. Кит Мун из The Who, Джинджер Бейкер из Cream, Митч Митчелл из The Jimi Hendrix Experience, Джон Денсмор из The Doors – это барабанщики, которые вошли в историю не только и не столько благодаря группам, в которых играли (в отличие от того же Ринго Старра или Чарли Уоттса). Наконец, Джон Бонэм начинал в 60-х, но этому человеку нужно посвятить отдельную статью, ведь звучание ритм-секции Led Zeppelin стало основой звучания массы музыки – но уже 70-х.


Автор Вячеслав Уминский
За основу взята статья GARRETT HAINES (DRUM! Magazine)